Sergio Larraín nació en Santiago de Chile en 1931. Comenzó a tomar sus primeras fotos en 1949. Larraín trató el tema de los niños marginales que vivían bajo los puentes del río Mapocho. De este trabajo se incluyen algunas fotos en su libro “El rectángulo en la mano”.

Luego Larraín va a estudiar en la Universidad de Berkeley en California, aparte de otros lugares, además realiza numerosos viajes por Europa y Oriente Medio. En 1954, de regreso a Chile, Larrain decide optar por la fotografía como profesión. Colabora en esos años con la revista brasileña “O Cruzeiro”.  De regreso a Europa, Sergio Larraín pasa 1958 en Londres y 1959 en Paris. En Paris, logra la representación de la famosa agencia MAGNUM para Chile. En el este país descubre Valparaíso, principal puerto de Chile, cerca de Santiago. Allí realiza una serie de fotografías, quizás las mejores o más poderosas que se hayan realizado sobre este puerto. De este trabajo proviene una foto memorable que muestra unas niñas descendiendo una de las tantas escaleras de este puerto de cerros.
El afirma que esta foto es “la primera fotografía mágica nunca antes presentada”. La revista suiza “Du” publicó extractos de este trabajo.
Larraín es el menos conocido y menos publicado de los miembros de la agencia MAGNUM. De todos modos, oh paradoja, es el fotógrafo chileno que ha llegado más lejos en el reconocimiento internacional.

Su máxima sobre la fotografía, según sus palabras: ” solo se consiguen buenas fotos cuando uno hace lo que de verdad le interesa, o sea, escoger uno mismo sus temas … dibujar con lápiz y un bloc es la mejor manera de entrar en un tema … trabajar sin tiempo, durante meses, años, hasta sentir que uno lo ha logrado … es lo que da fotos que se sostienen … en general los trabajos de encargo no dan fotos buenas realmente … es como la poesía, uno debe hacer su gusto, nada más …”.

Carta de Sergio Larrain a su sobrino, impresionante testimonio de lo que para él siginifica la fotografía.

http://www.youtube.com/watch?v=IhboMzLqP8g

“Me interesa la superficie. Porque la superficie es el interior. Todo el mundo tiene una manera de expresar su propio cuerpo, no solo el rostro. Cuando las personas se relajan y se abandonan y no saben que alguien las está fotografiando, son en gran medida ellos mismos”     Lisette Model

Por mucho que sepamos que no hay una realidad como tal, sino más bien una simultaneidad de puntos de vista, las fotografías de Lisette Model nos proporcionan la extraña sensación de estar más
cerca de ella, de poder ver algo que cuando miramos directamente las cosas somos incapaces de apreciar. La fotografía como una forma de explorar la realidad, de indagar en ella. Pero la realidad,
para Model, está conformada fundamentalmente por retratos, públicos o privados, por lo que su indagación nos atañe especialmente: la fotografía como una manera de interrogarnos sobre nuestro lugar

en el mundo.

Resultaría imposible hablar de la historia de la fotografía sin mencionar a Lisette Model. Forma parte de ese grupo de creadores especialmente activos en Estados Unidos en las décadas de 1940
y 1950 que establecieron una nueva manera de trabajar. A esto debemos añadir su influencia como docente en distintas generacionesde fotógrafos. Fue, realmente, una gran profesora.

Su fotografía excede la denominación de Street Photography, pero sin duda es un precedente de esa corriente, del fotógrafo que salía a la calle a ver qué encuadraba de la vida.

Texto sacado de la exposición que se hizo en la fundación Mapfre a Lisette Model, mas información en http://www.exposicionesmapfrearte.com/lisettemodel/

Francesca Woodman murió con tan solo 24 años. Fue una estrella fugaz  y brilló de  tal manera que  logró concebir una nueva visión en el universo fotográfico. Su surrealismo, su feminidad , sus autoretratos alejados de cualquier narcisismo, y todo fatalismo que conlleva la muerte, engloban una obra que no deja de sorprenderte por mas que la mires, por más que intentes buscar una explicación a su tragedia personal. Sus miles de imitadores no hacen si no engradecer su figura. El enigma del ángel que nos visita y huye tras ver los fanstamas de lo corpóreo. Una lástima . No sabemos que nos  hubiera deparado  su fotografía con más tiempo por delante. Lo que si queda claro es que la fuerza y misterio de esas instatáneas que exponía en pequeño formato, una vez que las observas son de las que te acompañan el resto de tu vida.

ALEC Soth es uno de los fotógrafos noteamericanos más interesantes del momento, un renovador de la tradición fotográfica de su país que en sus viajes por carretera intenta transmitir su experiencia personal y la esencia de los retratados.Impulsado a la fama internacional con la serie Sleeping by the Mississippi, manteniendo la atención y admiración del público con sus siguientes series, los galeristas y museos se pelean por él. Profesor de fotografía en la Universidad y miembro de la prestigiosa agencia Magnum, Alec Soth habla de su trabajo en términos de investigación poética, e incide en la importancia de estos viajes guiado por “la libertad y algunas coincidencias afortunadas”. La referencia en ellas son las road movies, (literalmente películas de carretera, en inglés). Siendo un gran viajero, Soth se va de un extremo a otro con su cámara y retrata el viaje como un destino de conocimiento, no sólo como un traslado, donde lo importante está en el camino, y no en el destino, recogiendo la vieja idea de la Odisea de Homero.Así, en Mississippi, Soth explora el medio oeste americano siguiendo el curso del río más largo de Estados Unidos, retratando su habitantes y sus paisajes, con sus rituales religiosos y seculares, públicos o privados, como la fotografía que muestra a un cristo clavado en un poste de la luz, con sus piernas colgando mientras observa la inmensidad de un valle nevado.
En sus retratos, Soth recurre a la clásica forma de hacer posar a los retratados, sin importar, dónde se encuentren y siempre con un gran compromiso que va mucho más allá de la estética. A veces pide a sus personajes que escriban alguna frase en un papelito, que luego fotografía e incluye en la serie.

Fragmentos sacados del diario deia

Extraños es el resultado de la experiencia, exploraciones, puramente de investigación fotográfica que se prolonga durante años. En formato blanco y negro y cuadrado, no tiene más “tema” que la propia fotografía. Ya se trate de retratos, desnudos, paisajes, naturalezas muertas o la interpretación de una pintura, se complace evidente para mostrar y demostrar que, en la fotografía, el foco permanece en la luz trabajo.

Jugar  con en el tiempo de exposición, las mezclas de la luz natural y artificial, que juega el apodo de “realismo” de la imagen de plata y nos lleva a un mundo poético y perturbador. Al igual que un mundo flotante, donde el tiempo es en el trabajo, pero a menudo estas en cambios, tanto en la imagen fija y el flujo perpetuo. En el límite entre el sueño y la pesadilla. Un mundo extraño, de verdad. Y terriblemente entrañable.

Jose Manuel Castro Prieto

Las fachadas decadentes de la habana ha atraido a muchos fotógrafos que han utilizado esta configuración para capturar historias de color. Un tipo de teatro, a menudo complentado con tintes de viejo cadillacs antes de la Revolución.
El color, en Cuba, es una tentación evidente, una seducción. Por tanto, es difícil superar el encanto que la fotografía puede captar en los matices de sus pruebas. De hecho, Cuba, el color es una trampa en la que las fuerzas del fotógrafo son atrapadas por su hermosura.

Lorenzo Castore (Florencia 1973),  seducido por La Habana, no ha sido capturado por esa trampa. Dado que el proyecto era captar un estado de ánimo, era acariciar el tiempo para escanear caras y sentimientos, los gestos y el cuerpo en el sentido de la desintegración de la ciudad frágil, no abordó el color en términos de su atractivo, pero ha sido objeto de sus comentarios.
El material que se manifiesta en el grano, la vibración, en lo que a veces podría ser visto como una clave de pintor y respirar en el marco de sentimientos contradictorios, puzzles, personajes con mirada perdida en las caricias de la luz o el color.

La sensualidad, el calor, es este asunto en particular lo que color  a su vez  hace más sensible y  físico. Así, podemos observar como las emociones naturales son  capturadas con una atención extraordinaria, transmitiendo  elegancia,  y  fragmentando  personajes  que pueblan Cuba librados de cualquier folclore o cualquier aspecto del turismo,  refirendose  al misterio absoluto de la fascinación con un ambiente único.

Texto escrito por Christian Caujolle

Agencia Vu

Todd Hido (Kent, Ohio, 1968).  es unos de los fotógrafos actuales que mejor captan la sensación de aislamento, soledad y desolación que vivimos en nuestros días y todo eso sin ninguna imagen fácil y barata.  Ya sea abordando retratos, carreteras perdidas o casas abandonadas la luz nos asola de una manera tan cálida que duele y golpea. Es la atmósfera de la soledad, de disparar a mujeres que  parecen estar perdidas en si mismas y esquivan al fotógrafo , de disparar desde dentro del coche a paisajes efímeros, de hacer largar exposiciones a esas viviendas en las cuales habitamos como nichos.

http://www.toddhido.com/

Por si quereis ver un video de youtube, bastante recomendable de como trabaja.

video

Boris Mikhailov nació en1938 en Charkov, Ucrania. Vive y trabaja entre Berlín y Charkov. Empezó a trabajar como ingeniero técnico e hizo su primera foto cuando tenía 28 años. Fue despedido de su trabajo cuando el KGB vio que él sacaba fotografías de desnudos de su mujer. Se dedicó en exclusiva a su profesión de fotógrafo. Su carrera como fotógrafo abarca más de treinta años y presenta un retrato revolucionario y doloroso de la Unión Soviética, con imágenes que fueron prohibidas por el régimen

Esta serie de fotos de Boris Mikhailov pertencen  al trabajo “At Dusk” (1993), recuerda su evacuación a los Urales cuando era un niño, durante la ocupación alemana en la segunda guerra mundial. Esta serie, de tonalidad azul, describe la vida en la calle de la nueva Ucrania capitalista como si fuese una guerra por la supervivencia.

Nozolino posee una mirada trágica y dramática ante los temas que fotografía, usando una técnica personal donde casi siempre se ve el grano. Es uno de los principales exponentes de la fotografía en blanco y negro, creando atmósferas tenues y enigmáticas, con claro dominio del uso de la luz. Con respecto a su relación con el color, el fotógrafo comenta: ”El blanco y negro son los únicos colores que veo”.

Sus fotografías revelan sombras y espacios donde la oscuridad siempre predomina. Gracias al empleo simbólico de la luz y la eliminación de todo lo superfluo, realiza un retrato trágico de su propia experiencia como fotógrafo.

Sus imágenes suelen estar pobladas de personas y rostros, unidas a evocaciones directas de la muerte, el sexo, la nostalgia o la violencia. Descontextualiza las realidades concretas para hacerlas universales.

Entre sus libros monográficos destacan: Bone Lonely (Steidl, 2009) con poemas escritos porRui Baião; Far Cry (Steidl, 2005), libro que acompañó una retrospectiva de su obra organizado por el Museo Serralves de Oporto; y Penumbra (Scalo Publishers, 1996), una colección de imágenes tomadas en Siria, Yemen, Jordán, Egipto y Mauritania.

Texto sacado de la pagina www.photoespaña.com

Según Anders, los fotógrafos se pueden agrupar en familias. Diferentes familias, difrentes visiones sobre el acercamiento al sujeto fotográfico, diferentes sensibilidades, diferentes anhelos, diferentes heridas.

La familia a la cual el pertence cuenta entre sus miembros  Christer Strömholm, J.H. Engström, Diane Airbus, Nan Goldin, Paul Strand, Daido Moriyama, Lisette Model, Boris Michailov, , William Eggelston…