9 Marzo, 2010

Fotografiar es fácil, Fotografiar es difícil (Paul Graham)

Archivado en: — sergio castaneira @ 12:07 pm

Paul Graham escribió este texto  para el Libro de Graduación del Master de Fotografía en la Universidad de Yale. Me parece un texto de obligada lectura para todo aquel que este interesado en la fotografía como medio de expresión vehicular de su vida o de lo que le rodea.

“Es tan fácil que es ridículo. Es tan fácil que no puedo ni comenzar, no sé por donde empezar. Después de todo es solo cuestión de mirar a lo que te rodea. Todos lo hacemos, es simplemente una manera de grabar lo que ves – lo apuntas con la cámara y presionas el botón. ¿Es tan difícil? Y todavía más, ahora en la era digital es gratis, ni te cuesta lo que vale un carrete. Es tan simple y tan básico, que es ridículo.

Es tan difícil porque está por todas partes, en todos los lugares, todo el tiempo, incluso ahora. Es la imagen de este bolígrafo en mi mano mientras escribo, es la imagen de tu mano sosteniendo este libro. Deja lentamente llevar tu conciencia fuera de este texto y mira: está justo ahí, en el otro lado de la habitación, y allí… y allí. Entonces se va. Tú no lo has fotografiado creías que no valía la pena y ahora es demasiado tarde, ese momento ha desaparecido. Pero otro ha llegado, en un instante. Ahora. Porque la vida fluye a través y alrededor nuestro, avanzando deprisa, deprisa y en todas direcciones.

Pero si está en todas partes y todo el tiempo, y es tan fácil de hacer, entonces ¿qué valor tiene? ¿qué fotos merecen la pena? ¿La foto conseguida a base de esfuerzo, preparada, controlada, pre-visualizada? Sí ¿Aquellas artificiales, secas y esmeradas? A veces ¿Es tal vez la foto hecha de improviso, por estar en el sitio y en el momento adecuados? Por supuesto ¿Puede ser una expresión intuitiva? Exactamente.

Tal vez sea el resultado de años de buscar, ver, pensar sobre la fotografía. Definitivamente.

¨Solo una lección da la vida: que hay más accidente/azar en ella de lo que el hombre pueda admitir en toda su vida manteniéndose cuerdo.¨

- Thomas Pynchon, V

vale, entonces ¿cómo puedo encontrarle sentido a ese fluir interminable, esa niebla que cubre la vida aquí y ahora? ¿Cómo puedo ver a través de ella? ¿Cómo puedo cruzar esa frontera? ¿Me lanzo a andar por la calle y hago fotos a extraños? ¿hago una fotonovela entre mis amigos? ¿fotografío solo a mis allegados, mi familia, a mi? O quizás debería solo fotografiar paisajes, las rocas, los árboles – ellos no se mueven, ni se quejan, ni te hacen esperar. ¿Las casas antiguas? ¿las casas modernas? ¿Me voy al otro lado del mundo a las zonas de conflicto o a la tienda de la esquina, o ni salgo de mi cuarto?

Sí, sí y sí. Esa es la elección por la que estás tan mimado, pero no dejes que te detenga.

Ten cuidado, pero no te quedes atascado – relájate, está en todo y por todas partes. Lo encontrarás y te encontrará a ti, solo empieza, de algún modo, pero: empieza.

Sí, pero ¿no debería tener una idea coherente? ¿no debería saber primero lo que estoy haciendo? Eso estaría bien, pero dudo que Robert Frank supiera todo el sentido de lo que hacía cuando comenzó, o igualmente Cindy Sherman or Robert Mapplethorpe o Atget o… así que no deberías esperarlo. Mientras más planeado lo tengas, menos espacio dejarás al azar. Para que el mundo te hable, para que la idea se encuentre a si misma, permitiendo dar lugar a la ambigüedad y a la ambivalencia, que muchas veces son más importantes que la claridad y la certeza. La obra a menudo dice más que lo que sabe el autor.

Vale, pero la fotografía no siempre entra dentro de proyectos con coherencia y organizados, así que a lo mejor necesito vagar libremente por este mundo, sin limitarme, fotografiando lo que sea cuando quiera: el cielo, mis pies, el café, las flores que acabo de ver, mis amigos, mis amantes ¿y tendrá sentido porque todo eso es mi vida? Quizás. Algunas veces funciona, otras es indulgente, pero debe ser tu elección, porque tú eres libre también de ¨no tener sentido¨ .

“Al final incluso este relato es absurdo, lo cual es una parte importante de la cuestión, si es que hay alguna, ya que no tener ninguna en absoluto parece formar parte de la cuestión”

- Malcolm Lowry, Ghostkeeper.

Vale, necesito tiempo para pensar sobre todo esto. Permitirme esa libertad por un tiempo. Un par de años. Quizás no encontraré mi respuesta, pero quizás estaré alrededor de otros que entiendan esta pregunta, que hayan llegado a un punto similar. Quizás comenzaré por el camino equivocado, o por las razones equivocadas – porque me gustaban las cámaras, porque creía que la fotografía sería una opción fácil. Pero me obligaré a intentarlo, entonces quizás me tropiece con algo que cobre sentido para mí, o simplemente sienta que esté bien. Si me concentro en eso, quizás crezca, y de manera modesta e indescriptible comience a cobrar sentido.

Como fotografiar a la comunidad Árabe–Americana, como seres humanos con vidas, esperanzas, familias y sentimientos, heterosexuales, homosexuales, jóvenes, viejos, con toda la humanidad que Hollywood nunca les ha dado. O la comunidad negra de New Haven, en la que se hacen charadas teatrales inexplicables, llenas de alegría, que rompen mis ideas preconcebidas en mil pedazos. O los ecos de las instantáneas divertidas-perturbadoras-tristes de mi antiguo novio. O el paisaje anónimo de los suburbios del norte del estado, en la manera en que define las imágenes espectaculares de las que estamos adictos. O… como las mujeres usamos nuestros cuerpos para mostrar lo que creemos que deberíamos ser. O…

¨¿Una novela? No, ya no tengo la resistencia. Para escribir una novela tienes que ser como un Atlas, sostener el mundo entero sobre tu espalda y aguantar allí meses y años mientras los casos se van resolviendo.

J. M. Coetzee, Diary of a Bad Year.

Y tengo la esperanza de continuar y desarrollarlo, porque merece la pena. Continuar porque importa, y hay muchas otras cosas que no importan: el trabajo para ganar dinero, los encargos editoriales, las fotos de moda. Entonces un día estará lo suficientemente desarrollado para creer que está terminado. Hecho. Y a su manera: una contribución, y todo el esfuerzo y las frustraciones y el tiempo y el dinero desaparecerán. Ha merecido la pena, porque es algo real, que no existía antes de que tú la crearas: una obra que transmite con fuerza y sensibilidad, que habla de este mundo y de los que te rodean en él. ¿No es precioso?

http://www.paulgrahamarchive.com/

Gonzalo Juanes- El color de una vida

Archivado en: — sergio castaneira @ 11:40 am

Conocí a Gonzalo Juanes (Gijón 1921) en una exposición que hubo en la fnac de sevilla, aprovechando la edición que acaba de sacar photobolsillo con su nombre.  Jose Manuel Navía fue un poco el promotor de sacar a este gran fotógrafo asturiano del olvido. Fue de los primeros que apostó por el color en este país y su mirada sobre lo cotidiano  se alejaba del momento decisivo que era lo imperante de los fotógrafos de la época en España  acercandose más a fotografos como robert frank y william klein . Fue un fotógrafo autodidacta adelantado a su época. Formó parte del Grupo Afal (Agrupación Fotográfica Almeriense) junto a otras reconocidas personalidades como Oriol Maspons, Gabriel Cualladó o Ramón Masats.
Su  temática de su obra fue variada, centrándose en los paisajes mineros y sus habitantes asturianos, escolares, rincones de Gijón o las calles de Madrid.

6 Marzo, 2010

Larry Clark- Tulsa

Archivado en: — sergio castaneira @ 9:41 pm

Larry Clark fotógrafo y cineasta, paso a la historia de la fotografía con este trabajo llamado Tulsa (1971). A diferencia de la fotografía de la época, Larry Clark documentó a su grupo de amigos procedentes de un barrio de clase media alta del medio oeste americano, desde dentro, formando parte del círculo y sin ninguna pretensión artística ni de denuncia, durante la década de los 60. Las fotografías hablaban de lo que nadie quería mostrar, de esa juventud que camina solo importándole el ahora, Fotografíando lo cotidiano desde dentro, desde las entrañas de lo conocido, Sentó un testigo que luego recogió gente como Nan Goldin, Araki, Richard Billingham, Sally Man, Larry Sultan, García-Alix y muchos otros.

Antoine D´agata

Archivado en: — sergio castaneira @ 1:27 pm

Antoine D’Agata nació en Marsella en 1961. En 1983 salió de Francia y estuvo viajando y residiendo en el extranjero durante los siguientes 10 años. En 1990, estando en Nueva York, decide perseguir su interés por la fotografía y cursa diversos talleres en el International Center of Photography con profesores como Larry Clark y Nan Goldin, entre otros.

Entre 1991 y 1992 trabaja como becario en el departamento editorial de Magnum en Nueva York. Cuando regresa a Francia en 1993 abandona temporalmente la fotografía, que retoma 4 años más tarde.

Sus primeros libros, “De Mala Muerte” y “Mala Noche” se publican en   1998 y el año siguiente la galería VU empieza a distribuir su trabajo. En 2001 publica “Hometown” con el que gana el premio Niepce al joven fotógrafo. Sigue publicando libros regularmente: “Vortex” y “Insomnia”, en 2003, con la exposición acompañante “1001 Nuits”; “Stigma” en 2004 y “Manifeste” en 2005.

En 2004 D’Agata ingresa en la agencia Magnum y realiza su primer cortometraje, “Le Ventre du Monde”; este experimento le lleva a su primer largo, “Aka Ana”, realizado en Tokio en 2006.

Desde 2005 D’Agata no tiene país de residencia fijo; viaja y trabaja por el mundo.

5 Marzo, 2010

Miguel Rio Branco

Archivado en: — sergio castaneira @ 1:45 pm

Fotógrafo brasileño.

Hijo de un diplomático brasileño, su infancia transcurre en ciudades de todo el mundo como Buenos Aires, Lisboa, Berna o Nueva York. En 1966 comienza su formación en el Instituto de Fotografía de Nueva York, acudiendo después a la Escuela Superior de Diseño Industrial de Río de Janeiro. Tras unos inicios en los que simultanea la pintura y la fotografía, se decanta pronto hacia este último medio. Su primer éxito profesional le llega en 1972, gracias a un reportaje sobre la prostitución en El Salvador. De vuelta a la capital carioca, en 1985, retoma nuevamente su faceta de creador plástico y comienza a realizar tanto fotografías y proyecciones como collages e instalaciones. Su trabajo más conocido es el que le vincula a su labor como corresponsal de la agencia Mágnum en Latinoamérica a partir de 1980. Sus imágenes tratan las duras condiciones de vida en Sudamérica, pero desbordan los límites del reportaje periodístico para adentrarse en el reino de lo poético y lo conceptual. Desde el punto de vista del estilo, su gusto por los colores oscuros e intensos y su uso acentuado del claroscuro imprimen a sus imágenes cierto aire caravaggiesco. Ha recibido numerosos premios periodísticos, entre los que destaca el Premio Kodak de la Crítica Fotográfica en 1982.

Richard Billingham’s “Ray’s a Laugh”

Archivado en: — sergio castaneira @ 12:45 pm

Richard Billingham se encuentra junto con Damien Hirst, Gary Hume, Douglas Gordon, Sarah Lucas y Paul Graham, entre los representantes más famosos de la Young British Art (YBA=Jóvenes Artistas Británicos).

Debe su joven celebridad a una impactante serie fotográfica dedicada a su propia familia, residente en un barrio obrero de Birmingham, Cradley Heat, en la que con precisión de entomólogo recogía un diario visual tan sórdido, como tierno y candoroso, a la vez que ofrecía un demoledor relato biográfico.

Estas fotografías obtuvieron rápidamente un extraordinario reconocimiento internacional en cuanto se presentaron en un gran número de exposiciones organizadas en Europa y América.

En 1997, los trabajos de Billingham formaron parte de la legendaria exposición Sensation en la Royal Academy, en Londres (1997), que lo convirtió en uno de los representantes más conocidos de los YBA. Luego siguieron exposiciones individuales celebradas, entre otras ciudades, en Nueva York (1997), Londres (1998), Roma (1999), Birmingham (2000), Dublín (2002), Budapest y Londres (2003), Bruselas (2004) y Londres y Madrid (2205), además de exposiciones colectivas, como Full House – Junge Britische Kunsten el Kunstmuseum Wolfsburg, Alemania (1996/1997) o la Biennale de Venecia (2001). En 1997, ganó el Citybank Private Bank Photography Prize y en el año 2001 fue nominado para el Turner Prize.

JH Engström “Trying to Dance”

Archivado en: — sergio castaneira @ 11:53 am

JH Engström creció en Suecia pero pasó gran parte de su niñez y juventud en Francia. A principio de los noventa, fue asistente de Mario Testino en París y de Anders Petersen en Estocolmo.

Engström se graduó por la Universidad de Gotemburgo en 1997, y publicó su primer libro, Shelter (Bokförlaget, 1997), ese mismo año.

Vivió en Brooklyn (Nueva York) y en su región natal de Värmland, en Suecia, con el fin de completar su siguiente proyecto, Trying to Dance ( Journal 2004), que fue finalista del premio de fotografía Deutsche Börse en 2005. Expone internacionalmente y su obra

está incluida en muestras permanentes tanto en Europa como en

Estados Unidos. Otros libros suyos publicados son Haunts (Steidl,

2006), CDG/JHE (Steidl, 2008) y From Back Home (en colaboración con Anders Petersen, Max Ström, 2009). Wells será publicado por Steidl durante 2009. JH Engström está representado por Galerie VU? de París y GunGallery de Estocolmo.

www.jhengstrom.com

Victor Cobo - Remember when you loved me

Archivado en: — sergio castaneira @ 9:42 am

Victor Cobo nació en Melbourne (Florida, EEUU) en 1971 y reside actualmente en San Francisco. Sus exposiciones en solitario incluyen American Dreams, en la Blue Sky Gallery de Portland (Oregón), en 2007, y The Migrant Trail, en la galería Michel- Novelozo, en Davis (California), en 2005. Ha formado parte de numerosas muestras colectivas, como la prestigiosa First Look: Masterworks of American Photography del Amon Carter Museum de Fort Worth (Texas). Ha sido galardonado con la Aaron Siskind Emerging Photographer?s Fellowship en 2007.

www.victorcobo.com

12 Enero, 2010

Descubrimientos Photoespaña

Archivado en: — sergio castaneira @ 1:40 pm


Hasta el 7 de febrero es posible enviar fotografías a la sección Descubrimientos de PHoto España, en el que fotógrafos de cualquier nacionalidad y disciplina pueden enviar su portoflio (hasta 15 imágenes) para el visionado por parte de los comisarios, galeristas y editores.

” De entre todos los porfolios recibidos en esta convocatoria, un jurado seleccionará a setenta fotógrafos para participar en el visionado. La Sala de Exposiciones del Complejo El Águila acogerá una muestra, incluida dentro de la Sección Oficial del Festival, con los trabajos de los seleccionados. Además los fotógrafos que participen en Madrid optarán al Premio Descubrimientos PHE Epson que consiste en una exposición individual en PHotoEspaña 2011.”

Para más información:

http://www.phe.es/descubrimientos/

24 Septiembre, 2009

Nuevos Talleres temporada 2009/2010

Archivado en: — Adrian @ 12:14 pm

¡Hola, Fotómatas!

Ya tenéis disponible en la web la información de los nuevos talleres que impartiremos este año. Recordad que para cualquier información podéis contactar por correo, teléfono o acudiendo a la galería.

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